Die Bedeutung von Jan Van Eycks Arnolfini-Porträt

Jan van Eycks Arnolfini-Porträt (1434) ist zweifellos eines der Meisterwerke in der Sammlung der Nationalgalerie. Mit Pinselstrichen, die so fein sind, dass der Effekt fotografisch erscheint, versteckte Details und verspielte visuelle Effekte, ist dieses Gemälde sowohl visuell faszinierend als auch berühmt. Es ist auch ein informatives Dokument über die Gesellschaft des 15. Jahrhunderts, in dem van Eyck die Symbolik stark einsetzt.

Das Thema des Arnolfini-Porträts (Abbildung 1) ist häuslich: Ein Mann und eine Frau halten sich in einem Innenraum an den Händen, mit einem Fenster hinter sich und einem Bett hinter sich in natürlicher Symbolik der ehelichen Rollen des 15. Jahrhunderts - während Ehemänner sich verloben In der Wirtschaft beschäftigten sich die Ehefrauen mit häuslichen Pflichten. Die Kleidung, die das Paar trägt, wäre auch als Demonstration gedacht gewesen, diesmal mit Wohlstand und sozialem Ansehen. Pelz war ein teurer Luxus, der gesetzlich nur den oberen Gesellschaftsschichten gestattet war, daher hätten van Eycks Gönner und Sitter eine bewusste Aussage über ihren Reichtum und ihren Status gemacht, indem sie pelzbesetzte Kleidung hatten (zumal der blühende Baum vor dem Fenster dies nahelegt der Tag war warm). Die Farben dieser Kleidungsstücke und auch der Bettvorhänge sind ebenfalls von Bedeutung: Rot, Schwarz, Grün und besonders Blau waren allesamt fabelhaft teure Farbstoffe, so dass auch hier der Reichtum dieses Paares und die reine Stoffmenge gezeigt werden sollten (Starkes Falten verbraucht mehr Stoff, Ergo-Kleidung mit Falten, Falten, Biesen usw. kostet mehr). Van Eyck achtete auch darauf, winzige, schöne Details anzubringen - wie die passenden goldenen und silbernen Manschetten an den Handgelenken des Paares, umfangreiche Details am Rand des Frauenschleiers und ein paar sehr teure Orangen auf der Brust unter dem Fenster. Diese zeigten nicht nur sein eigenes Talent für geschickte, komplizierte Pinselführung, sondern auch die folgende einfache Tatsache: Das abgebildete Paar war nicht nur reich, sondern auch gebildet - sie wussten, wie ihr Geld ausgegeben werden sollte, damit es gut über sich selbst reflektiert.

Dies bringt uns zu der Frage: Wer war dieses Paar? Das männliche Subjekt links vom Betrachter ist zuletzt ein Brügger Kaufmann namens Giovanni di Nicolao Arnolfini und die Frau neben ihm seine Frau. Mit der zweiten Hälfte dieser Identifizierung sind jedoch mehrere Probleme verbunden. Der Künstler hat in kunstvollem Latein deutlich auf das Gemälde geschrieben: „Jan van Eyck war hier 1434.“ Giovannis Frau war jedoch 1433 gestorben, was die mögliche Hypothese darstellt: van Eyck hatte die Arbeit 1433 begonnen, als die Frau seines Schutzpatrons noch lebte, aber sie war gestorben, als er sie beendete, oder es war einfach ein posthumes Porträt. Diese Theorie ist nicht unangemessen und wird durch einen Großteil des visuellen Inhalts der Szene gestützt: den losen Griff der männlichen Figur an der rutschenden Hand der Frau und die seltsamen Kerzen im verzierten Kronleuchter - die auf der Seite des Mannes sind immer noch ganz und beleuchtet. während der gegenüberliegende Kerzenhalter bis auf ein paar Tropfen Wachs leer ist, was bedeutet, dass das Lebenslicht des Mannes noch brennt, während ihrs ausgebrannt ist.

Natürlich gibt es auch den Spiegel an der Rückwand der Szene - ein Objekt, das häufig mit Vanitas-Gemälden in Verbindung gebracht wird, die über Sterblichkeit und Tod nachdenken, wie in Trophime Bigots Allegorie der Eitelkeit deutlich wird (Abbildung 2). Auch posthume Porträts waren keine Seltenheit. 1472 hatte Herzog Federico da Montefeltro in Urbino, Italien, ein Diptychon von sich und seiner kürzlich verstorbenen Frau in Auftrag gegeben. Das Doppelporträt ist bis heute erhalten, und das Paar steht sich im Tod und im Leben weiterhin gegenüber. Sein Gesicht ist gebräunt und gesund, während ihr Gesicht marmorweiß ist (Abbildung 3).

Zurück zum Arnolfini-Porträt gibt es auch eine zweite Möglichkeit, dass dies eine Darstellung einer zweiten Ehe ist, für die die Aufzeichnungen verloren gegangen sind. Sicherlich wirkt das Gesicht der Frau besonders jung, fast wie eine Puppe - obwohl diese Jugend kein Hinweis darauf ist, dass sie eine zweite Frau war, da Mädchen verheiratet sein konnten, bevor sie zu dieser Zeit noch Teenager waren. Ihr Aussehen ist sehr modisch, mit einer hohen, gezupften Stirn und speziell gestylten Haaren. Das Stipendium scheint nicht zu glauben, dass sie schwanger ist, obwohl sie sofort so aussieht, sondern dass sie viel schweres, plissiertes Tuch angehoben hat, um ihren teuren blauen Unterrock zu zeigen. Natürlich könnte dies ein Fehler sein und das Tuch könnte einfach dazu gedacht sein, die Aufmerksamkeit auf ihre Taille zu lenken; Das offensichtliche Bett hinter ihr, das symbolisch ganz in Rot gehalten ist, ist unverkennbar - ein unbestreitbarer Indikator für Liebe und Leidenschaft.

Der kleine Hund zu ihren Füßen zeigt ihre Treue zu ihrem Ehemann (ein klassisches künstlerisches Motiv, das Madame de Pompadour im 18. Jahrhundert besonders verwendet hat; einige ihrer Porträts als offizielle Oberherrin von König Ludwig XV. Von Frankreich enthalten einen kleinen schwarzen Hund (Abbildungen 4 und 5)) und ihr bedeckter Kopf drückt aus, dass sie eine verheiratete Frau ist - nur die Jungen, die Königlichen oder die Unmoralischen würden ihre Haare locker und unbedeckt tragen. Ihr Blick nach unten zeigt auch ihre Unterwerfung und ihren sanften Gehorsam gegenüber dem Mann, der ihre Hand hält. Dies war schließlich das fünfzehnte Jahrhundert; Frauen waren Eigentum ihrer nächsten männlichen Verwandten, und der Gedanke, dass sie etwas anderes taten, als sich um das Wohlergehen ihres Hauses und ihrer Familie zu kümmern, war geradezu empörend.

So weit so gut - die gesamte Visualität ist eher ungewöhnlich; Abgesehen von dem atemberaubenden Detail und der leuchtenden Farbbeherrschung, mit der die Szene dargestellt wird, und der tatsächlichen Zuordnung der Identität der Dargestellten. Es gibt jedoch einige merkwürdige Anmerkungen, die dieses Werk des Realismus als besonders interessant hervorheben. In erster Linie könnte der Spiegel an der Rückwand - der übrigens ein Werk der Fantasie sein könnte, da er wesentlich größer ist als Spiegel - tatsächlich an dieser Stelle hergestellt werden - der bereits angesprochen, aber nicht für seine Bedeutung notiert wurde spektakulär hohe Detaillierung. In der polierten, konvexen Glasoberfläche, umgeben von wunderschönen Miniaturszenen der Passion Christi, spiegeln sich die Rückseiten des Paares - aber auch herrlich zusammen mit der hellblauen Figur des Künstlers selbst, um eine wahre Darstellung der Gemäldeszene zu präsentieren . Aufgrund der Einbeziehung des Künstlers und seiner großen Unterschrift an der Wand wurde die Theorie aufgestellt, dass das Werk einem Ehevertrag entspricht: Die Vereinigung wurde offensichtlich durch die visuelle Einbeziehung einer dritten Figur bezeugt, die ebenfalls hilfreich war signierte das Bild in großer, offensichtlicher Schrift über dem Spiegel, um seine Anwesenheit zu beweisen. Diese Theorie würde natürlich das negieren, dass es sich um ein Gedenkporträt der Frau handelt - aber da keine konkreten Beweise vorliegen, die die eine oder andere Erklärung beweisen, kann weder bewiesen noch widerlegt werden.

Diese Mehrdeutigkeit trägt jedoch eher zum Charme dieses Gemäldes bei und erfordert, dass der Betrachter die schöne, detaillierte Verarbeitung genauer betrachtet, um seine eigenen Ideen und Theorien über die Arbeit aus einer unabhängigen visuellen Analyse herauszuarbeiten. Auch wenn aus dieser Arbeit nichts als eine Würdigung von Jan van Eycks höchstem Talent geschlossen werden kann, ist dies sicherlich eine zufriedenstellende Schlussfolgerung, die dem mysteriösen Arnolfini-Porträt entzogen werden kann. Wenn das Thema mit all seinen Details und Feinheiten bekannt wäre, wäre die Arbeit vielleicht nicht halb so geschätzt oder untersucht. Sein Charme liegt in den Geschichten und Ideen, die es in den Köpfen derer inspiriert, die es betrachten, hineinschauen und unter seiner Oberfläche graben; ein Mangel an Wissen trägt nur zu seiner Schönheit bei.

 

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