Die 10 einflussreichsten Kunstwerke aus den 1920er und 1930er Jahren

In den 1920er und 1930er Jahren entstand eine Reihe wegweisender neuer europäischer Kunstbewegungen, darunter Art Deco, Kubismus und Surrealismus. Culture Trip wirft einen Blick auf einige der wichtigsten Kunstwerke aus diesen beiden Epochen.

New York, Anfang der zwanziger Jahre (1920-24)

Der in Missouri geborene Künstler Thomas Hart Benton ist eine Hommage an seine Adoptivstadt New York in dieser Ölkomposition und zeigt den Madison Square Park aus der Vogelperspektive. Benton, international als Pionier der regionalistischen Kunstbewegung bekannt, studierte den städtischen Raum in New York, Anfang der zwanziger Jahre (1920-24), und zeigte bewegte Menschen, die als dunkle Streichholzfiguren gemalt sind. Diese Figuren, die ordentlich an stehenden Fahrzeugen vorbeifahren, überstehen den dunklen Sturm, der sich über den imposanten Wolkenkratzern und der amerikanischen Flagge bildet. Das stürmische Klima herrscht in einer Zeit persönlicher und beruflicher Unruhen für Benton als linken Sympathisanten.

Menentor um Mitternacht (1927)

Will Longstaffs Darstellung des Menin Gate-Kriegsdenkmals in Ypern (auch als Ghosts of Menin Gate bekannt ) ist Teil einer Sammlung im Australian War Memorial in Canberra. Die Komposition fängt die Geister von Soldaten ein, die unter einem indigofarbenen Abendhimmel gemeinsam über ein Getreidefeld marschieren. Nachdem Longfield an der Enthüllung des Menin-Tors im Juli 1927 teilgenommen hatte, behauptete er, die Truppen mit Stahlhelm erschienen zu haben. Der Künstler ging nach Hause nach London und vollendete seinen Tribut in einer Sitzung. Die roten Mohnblumen im Vordergrund stellen das Blut dar, das während des Ersten Weltkriegs vergossen wurde, und das Kalksteindenkmal auf der linken Seite zeigt einen dunklen, finsteren Eingang. Am fernen Horizont befinden sich Gebäude (mit intermittierendem Licht), was darauf hindeutet, dass das Gebiet genau unter die Lupe genommen wird.

Chop Suey (1929)

Edward Hoppers Bild des sozialen Realismus besteht aus einer Komposition mehrfarbiger geometrischer Rechtecke und zeigt eine Szene in einem chinesischen Restaurant. Im mittleren Vordergrund stehen zwei Frauen (beide sollen auf Hoppers Frau Josephine basieren), die eine zweideutige Beziehung zu haben scheinen. Sie spiegeln das einsame und distanzierte Auftreten des anderen auf einem hellen Tisch in grünen und lila Glockenhüten wider. Es gibt keine taktile Interaktion, und die Dame in Grün versteckt ihre Hände defensiv unter dem Tisch, was auf Unbehagen hindeutet. Die vier abgebildeten Figuren treffen sich zu einem gesellschaftlichen Ereignis, aber die Ironie liegt in einem gegenseitigen Mangel an Interesse und Spontanität, der durch ihre distanzierten Gesichtsausdrücke leckt. Ein Mann im Hintergrund, der mit einer Freundin spricht, scheint seine Zigarette mehr zu genießen als sein Date. Hopper fängt die Einsamkeit jeder Person ein, obwohl sie sich in einem öffentlichen, offenen Raum befindet. In der gesamten Komposition ist eine Mischung aus natürlichem und künstlichem Licht zu sehen. Die Sonne reflektiert von der Werbetafel direkt auf die weißen Tische und die Frau in Grün, was ihr eine gespenstische Blässe verleiht.

Geschichte Mexikos (1929-35)

Das von der mexikanischen Regierung finanzierte Wandbild von Diego Rivera dauerte sechs Jahre und befindet sich im Treppenhaus des Nationalpalastes ( Palacio Nacional ) in Mexiko-Stadt. Diego präsentierte der Öffentlichkeit eine Erzählung, in der die Indianer mitfühlend als unterdrückte Minderheit dargestellt wurden, die von den Spaniern brutalisiert wurde. Die größten Wandbilder bestehen aus vier Abschnitten und sind 70 Meter (929 Meter) groß. Die Nordwand ist einer Darstellung der aztekischen Kultur gewidmet und enthält eine symbolische Sonne (das Zentrum der aztekischen Religion) mit einer Pyramide und einem aztekischen Führer darunter. Die Westmauer zeigt die Geschichte der Kriegsführung, wobei Cortes und die spanischen Armeen die gegnerischen Kräfte der Indianer und Azteken besiegen. Die Südwand repräsentiert alles, was Rivera liebte und von dem sie inspiriert wurde, von der roten kommunistischen Flagge über den Sozialisten Karl Marx und die Künstlerin und Ehefrau Frida Kahlo zusammen mit ihrer Schwester Cristina (Diego's einmaliger Geliebter). Schulkinder sind in der Sektion vertreten und symbolisieren Frieden, Einheit und zukünftigen Fortschritt in der Gesellschaft.

Die Beständigkeit der Erinnerung (1931)

Salvador Dalí ließ sich von Freud und seinen Lehren der Psychoanalyse inspirieren und schuf diesen Surrealisten in den frühen 1930er Jahren. Eine weich schmelzende Uhr hängt schlaff von einem Ast im linken Vordergrund und zeigt vielleicht, dass die Zeit überproportional ist. Die Schnecke im mittleren Vordergrund steht stellvertretend für Dalís unverwechselbares Profil, eine von der Zeit überwältigte Figur, eingerahmt von insektenähnlichen Wimpern. Dalís Markenzeichen für die Verwendung von Ameisen auf dem Zifferblatt einer Uhr im linken Vordergrund unterstreicht das Gefühl des Verfalls und der Zerstörung in der kargen Landschaft. Dalí vereint die rauen Landschaftsmerkmale der Halbinsel Cap de Creus und des Mount Pani aus seiner Heimat Katalonien. The Persistence Of Memory (1931) wurde ursprünglich 1932 in der Julien Levy Gallery ausgestellt und ist seit 1934 im Museum of Modern Art in New York City ausgestellt.

Feuer bei Vollmond (1933)

Fire at The Full Moon (1933) wurde vom schweizerisch-deutschen Künstler Paul Klee in einer Zeit gesellschaftspolitischer Unruhen in ganz Europa im Zusammenhang mit der Nachfolge Hitlers als deutscher Bundeskanzler produziert. Als Kunstlehrer an der Düsseldorfer Akademie und als Jude vermutet, litt Klee unter den Händen von Nazisoldaten, die sein Haus durchsuchten. Er verlor seinen Job und begann an Sklerodermie zu leiden, die sich schließlich als tödlich erweisen würde. Die reichhaltige Komposition von Fire at The Full Moon besteht aus einem kubischen, geometrischen Wandteppich aus schweren, farbigen Blöcken, die die weiten Felder der Landschaft darstellen. Eine große gelbe Sonne dominiert die lebendige Landschaft in der oberen linken Ecke. Ein leuchtend rotes Kreuz oben rechts im Rahmen hat den doppelten Zweck, das Rote Kreuz darzustellen und gleichzeitig als großer „Grabstein“ zu stehen, der den Tod bedeutet.

Mutter mit Migrationshintergrund (1936)

Die Fotografin Dorothea Lange hat die Sorge und Verzweiflung von Florence Owens Thompson, einer Frau, die während der Weltwirtschaftskrise als obdachlose amerikanische Staatsbürgerin vor einer ungewissen Zukunft stand, perfekt festgehalten. Die 32-jährige Florence war eine verwitwete Mutter und eine mittellose Landarbeiterin. Zwei von Florence 'niedergeschlagenen Kindern hängen mit verdeckten Gesichtern an ihren Schultern. Florence schaut zu ihrer Rechten, von Sorge geplagt, mit gerunzelten Brauen, die ihr Kinn umklammern. Dieser ikonische Schnappschuss ist einer von sechs, die Lange während ihrer Zeit in einem Erbsenpflückerlager in Nipomo Mesa, Kalifornien, aufgenommen hat.

Guernica (1937)

Pablo Picassos Guernica (1937) ist drei Meter hoch und acht Meter breit und verwendet monochrome Blöcke aus Grau, Schwarz und Weiß, um das düstere Gespenst von Tod und Zerstörung widerzuspiegeln. Diese abstrakte Komposition ist eine Hommage an die Bürger, die durch die Bomben in der nordspanischen Stadt Guernica während des Zweiten Weltkriegs getötet und schwer verletzt wurden. Verängstigte Tiere und Menschen haben große Augen und einen offenen Mund mit Gliedmaßen, die bei dem Angriff miteinander verflochten sind. Der Schmerz und die Angst der Opfer werden durch die Aufnahme einer Mutter mit einem leblosen Kind in den Armen dargestellt, die vor Schmerz über ihren Verlust schreit. Im Vordergrund darunter liegt eine männliche Figur auf dem Boden. Seine Glieder sind durch gefallene Munition verstümmelt und halten zum Schutz ein zerbrochenes Schwert in der Hand. Die Glühbirne oben links im Vordergrund reflektiert die "künstliche" Sonne über der dunklen Landschaft voller Gemetzel und Zerstörung. Zeitungsausschnitte sind auf die Glieder eines verängstigten Pferdes gedruckt, das mit einem Speer in der Seite verletzt wurde. Ein Stier ist im Blutvergießen gefangen und repräsentiert El Toro, das inoffizielle nationale Wahrzeichen Spaniens.

Die zwei Fridas (1939)

Das Selbstporträt der surrealistischen Künstlerin Frida Kahlo entstand in einem Jahr persönlicher Turbulenzen. Sie hatte sich von ihrem Ehemann Diego Rivera scheiden lassen und andere persönliche Traumata erlitten. Die beiden Fridas sind als Zwillinge verbunden, die durch Blutversorgung des Herzens miteinander verbunden sind und Hände halten. Links sehen wir eine Frida in einem traditionellen weißen Tehuana- Kleid (Weiß ist die mexikanische Farbe der Trauer), das von ihren erfolgreichen Versuchen, ihre Blutlinie mit einer Pincher-Schere abzuschneiden, mit Blut bedeckt ist. Die Hauptarterie ist abgeschnitten, was vielleicht ihr gebrochenes Herz betont. Sie wird von der gesünderen Frida unterstützt, deren Herz voll ist und deren mehrfarbige Kleidung Wärme und Lebendigkeit anzeigt. Fridas emotionale Angst zeigt sich im Hintergrund mit Gewitterwolken am Horizont.

Der Morgenstern (aus Sternbildern) (1939)

Der katalanische Künstler Joan Miró begann 1939 eine Serie von 23 Bildern mit dem Namen Constellations in der Hoffnung, seine Faszination für Macht, Konstellationen und das äußere Universum mithilfe von Astralkarten zu erforschen (die alle eine willkommene Erleichterung von der Kriegsführung an Land darstellten). Miró schlägt vor, dass er die Form eines Vogels annehmen möchte, weg vom Blutvergießen unter der Macht von Nazi-Deutschland in ganz Europa. Kleine Scheiben Primärfarben bilden ein abstraktes Puzzle und werden großzügig über die Ecken der Komposition gewebt. Der Hintergrund ist sanft mit einem lachsrosa und hellblauen Hintergrund gedämpft.

 

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