Japans zeitgenössische Kunstszene ist vielfältig und beherbergt wegweisende Künstler, die die Landschaft der Branche weltweit verändert haben. Von Takashi Murakamis Superflat-Bewegung über Yayoi Kusamas gepunktetes Universum bis hin zu kollaborativen und performativen Ansätzen für visuelle Medien und dem futuristischen Einsatz von Technologie in Kunstpraktiken stellen wir 10 bekannte japanische zeitgenössische Künstler vor.

Chiho Aoshima

Chiho Aoshima ist Mitglied der Kunstproduktionsfirma Kaikai Kiki und der Superflat-Bewegung (beide vom legendären japanischen Künstler Takashi Murakami gegründet) und bekannt für ihre fantastischen urbanen Pop-Kreaturen und Landschaften. Als Autodidakt, der in Murakamis Fabrik mit Grafik zu arbeiten begann, schafft Aoshima surreale Traumlandschaften, in denen Geister, Dämonen, junge Frauen und Elemente der Natur leben. Ihre Kunstwerke sind in der Regel großformatig und auf Papier mit Materialien wie Leder und Kunststoff als Textur gedruckt. Im Jahr 2006 produzierte Aoshima City Glow, Mountain Whisper am Bahnhof Gloucester Road in London als Teil von 'Art on the Underground' und verwandelte 17 aufeinanderfolgende Plattformbögen in eine magische Landschaft, die sich allmählich von Tag zu Nacht, von Stadt zu Land wandelte. Die Arbeit zeigte Aoshimas utopische Welt, in der die Zeit unterbrochen ist und organische Kreaturen eins mit ansonsten leblosen Dingen sind.

Chiharu Shiota

Chiharu Shiota ist ein Performance- und Installationskünstler, der großflächige, ortsspezifische visuelle Installationen erstellt. Im Zentrum ihrer Praxis stehen Themen wie Erinnerung und Vergessenheit, Träume und Wirklichkeit, Vergangenheit und Gegenwart sowie die Konfrontation mit Angst. Zu ihren berühmtesten Werken gehören undurchdringliche schwarze Fadennetze, die eine Vielzahl von Haushalts-, persönlichen und Alltagsgegenständen wie alte Stühle, ein verbranntes Klavier, ein Hochzeitskleid und manchmal die Künstlerin selbst einschließen. Labyrinth of Memory (2012) besteht aus einer Reihe von Kleidern, die von dem allgegenwärtigen schwarzen Faden umgeben sind. Diese Kleider sind als „zweite Haut“ konzipiert, die sich dem Körper anpasst und ihn einschnürt. Die Allgegenwart von schwarzem Garn soll genau diese Beziehung beschreiben und durchsetzen. Im Sommer 2014 installierte Shiota Perspectives (2004), das aus mehr als 300 gespendeten Schuhen zusammen mit handschriftlichen Notizen jedes Spenders hergestellt wurde und eine persönliche Erinnerung vertraute. Shiota verband die Schuhe dann mit roten Garnsträngen, die jeweils an demselben Haken hingen. Shiota vertrat Japan auf der 56. Biennale von Venedig 2015 und ihre erste Ausstellung im Blain Southern in Berlin, die während der Berlin Art Week 2016 eröffnet wurde, sorgte für Aufsehen.

Ei Arakawa

Ei Arakawa ist inspiriert von Veränderungszuständen, Instabilitätsperioden, glücklichen Unfällen und Risikoelementen. Seine Performance-Stücke und Installationen beinhalten Themen wie Kollektivität, Freundschaft, Gleichzeitigkeit und Improvisation. Arakawas Arbeit ist fast immer kollaborativ und beschäftigt sich mit dem Element des sozialen Spektakels der Kunst - von der Produktion bis zur Zerstörung. Seine künstlerische Sensibilität wird durch einen performativen, unbestimmten Zustand "überall, aber nirgendwo" bestimmt. Seine Arbeit taucht international an unerwarteten Orten auf und vermehrt sich durch kollaborative Prozesse. 2013 wurde seine Arbeit im 'Kamikaze Loggia' (Georgian Pavilion) auf der Biennale in Venedig und in einer Übersicht über japanische zeitgenössische Kunst mit dem Titel 'Roppongi Crossing' im Mori Art Museum ausgestellt. Seine Installation Hawaiian Presence (2014) war ein Gemeinschaftsprojekt mit der in New York lebenden Künstlerin Carissa Rodriguez für die Whitney Biennale 2014. Auf der Frieze London im Jahr 2014 präsentierten Arakawa und sein Bruder Tomoo, die als Duo unter dem Namen United Brothers arbeiteten, eine Performance-Arbeit mit dem Titel Does This Soup Taste Ambivalent? in dem das Paar den Besuchern Suppe anbot, angeblich hergestellt mit Fukushimas 'radioaktiven' Daikon-Wurzeln.

Koki Tanaka

Der visuelle Ansatz des Künstlers des Jahres 2015 der Deutschen Bank Koki Tanaka untersucht die Gemeinschaft und eine gemeinsame Erfahrung von Kreativität und Fantasie, fördert den Austausch zwischen den Teilnehmern und setzt sich für neue Regeln der Zusammenarbeit ein. Seine Installation im Japan-Pavillon der Biennale von Venedig 2013 bestand aus einem Video mit Objekten, die den Pavillon in eine Plattform für künstlerischen Austausch verwandelten. Tanakas Videos und Installationen beschäftigen sich mit der Beziehung zwischen Objekten und Handlungen und zeichnen einfache Gesten auf, die mit Alltagsgegenständen wie einem Messer, das Gemüse schneidet, in ein Glas gegossenes Bier und dem Öffnen eines Regenschirms ausgeführt werden. In diesen Videos passiert nichts von Größe, doch die zwanghafte Wiederholung und die Liebe zum kleinsten Detail zwingen den Betrachter, das Alltägliche zu schätzen.

Mariko Mori

Mariko Mori schafft Multimedia-Arbeiten in den Bereichen Video, Fotografie, Neue Medien und Installationskunst. Sie drückt eine minimalistische, futuristische Vision durch schlanke, surreale Formen aus. Ein wiederkehrendes Thema in Moris Werk ist die Gegenüberstellung der östlichen Mythologie mit der westlichen Kultur, wie sie in ihren digital geschichteten Bildern zu sehen ist. Mori wurde mit Wave UFO bekannt, das 2003 im Kunsthaus Bregenz in Österreich debütierte. Anschließend reiste dieses Stück nach New York und wurde später in die Biennale von Venedig 2005 aufgenommen. 2010 gründete Mori die Faou Foundation, eine gemeinnützige Organisation für Bildung und Kultur, über die sie eine Reihe ihrer eigenen harmonischen, ortsspezifischen permanenten Kunstinstallationen widmete, um die sechs bewohnbaren Kontinente zu ehren. Zuletzt wurde eine permanente Installation der Faou Foundation mit dem Titel Ring: One With Nature über einem malerischen Wasserfall in Visconde Mauá in Resende unweit von Rio de Janeiro installiert.

Ryoji Ikeda

Ryoji Ikeda ist ein New-Media- und Klangkünstler, dessen Arbeit sich hauptsächlich mit Klang in einer Vielzahl von „rohen“ Zuständen beschäftigt - von Sinustönen bis hin zu Rauschen - und Frequenzen am Rande des menschlichen Hörbereichs einsetzt. Seine Performances und immersiven Installationen umfassen computergenerierte Sounds, die sich visuell in Videoprojektionen oder digitale Muster verwandeln. Ikedas audiovisuelle Arbeit verwendet Skalierung, Licht, Schatten, Lautstärke, Schatten, elektronische Klänge und Rhythmus, um die Sinne zu überfluten. Sein berühmtes Testmuster [Nr. 5] umfasst fünf Projektoren, die eine Grundfläche von etwa 28 Metern Länge und acht Metern Breite beleuchten. Die Installation konvertiert Daten (Text, Töne, Fotos und Filme) in Barcode- und Binärmuster von Nullen und Einsen. Ikedas Oeuvre umfasst auch One-Night-Performances wie Datamatics [ver. 2.0], eine aktualisierte Version eines audiovisuellen Konzerts, das er seit 2006 an verschiedenen Orten auf der ganzen Welt präsentiert hat, beginnend mit Zero1, San Jose, Kalifornien, für ISEA 2006. Ikeda untersucht und wendet mathematische und wissenschaftliche Methoden an, um Musik, Zeit und Musik zu formen Raum, faszinierende Erlebnisse schaffen. Er erforscht Ton und Bild und dekonstruiert ihre physikalischen Eigenschaften, um die komplexen Beziehungen aufzudecken, die mit der menschlichen Wahrnehmung verbunden sind. Letztendlich testet Ikeda das extreme Potenzial der digitalen Technologie und fordert die Wahrnehmungsschwellen heraus.

Takashi Murakami

Takashi Murakami ist einer der bekanntesten zeitgenössischen Künstler Japans. Von Gemälden über großformatige Skulpturen bis hin zu Modekollaborationen ist Murakamis Arbeit von Manga und Anime beeinflusst. Murakami, Gründer der Superflat-Bewegung und des Kaikai Kiki-Künstlerkollektivs, hat die Karrieren vieler seiner Zeitgenossen entwickelt und unterstützt. Der Begriff "superflach" beschreibt sowohl die ästhetischen Merkmale der japanischen Kunsttradition als auch die Natur der japanischen Kultur und Gesellschaft der Nachkriegszeit. Die Tradition hinterließ ein Erbe flacher, zweidimensionaler Bilder mit Schwerpunkt auf flachen Farbebenen, die in der zeitgenössischen Kultur durch Manga und Anime neu ausgearbeitet wurden. Nachkriegsjapan hat auch eine "Abflachung" der Unterschiede in der sozialen Klasse und im populären Geschmack erfahren. Murakamis eigene Praxis besteht darin, Elemente, die normalerweise als „niedrig“ oder subkulturell gelten, neu zu verpacken und auf den „hohen“ Kunstmärkten für Mode und Kunst zu präsentieren. Sein provokanter My Lonesome Cowboy (1998) wurde 2008 bei Sotheby's New York für einen Rekordpreis von 15, 2 Millionen US-Dollar verkauft. Zusätzlich zu seinem Kunstwerk hat Murakami mit Marc Jacobs, Louis Vuitton und Issey Miyake zusammengearbeitet.

Tatsuo Miyajima

Tatsuo Miyajima ist ein Bildhauer und Installationskünstler, dessen hochtechnologische Arbeiten zeitgenössische Materialien wie elektrische Schaltkreise, Videos und Computer verwenden, die sich seit den 1980er Jahren auf die Verwendung von Geräten konzentrieren. Miyajimas künstlerische Kernkonzepte lassen sich von humanistischen Ideen und buddhistischen Lehren inspirieren. Die LED-Zähler in seinen Installationen blinken kontinuierlich in Wiederholungen von 1 bis 9, was die Reise vom Leben zum Tod symbolisiert, aber die Endgültigkeit vermeidet, die durch 0 dargestellt wird und in seiner Arbeit niemals erscheint. Seine allgegenwärtigen Ziffern, die in Gittern, Türmen und Schaltkreisen dargestellt werden, drücken sein Interesse an Ideen von Kontinuität, Verbindung, Ewigkeit und dem Fluss von Zeit und Raum aus. Zuletzt wurde Miyajimas Arbeit mit dem Titel " Pfeil der Zeit (unvollendetes Leben)" in der Eröffnungsausstellung von Met Breuer "Unvollendet: Gedanken sichtbar" in New York City gezeigt.

Yayoi Kusama

Mit einer erstaunlichen Karriere von sieben Jahrzehnten hat Yayoi Kusama die Bereiche Malerei, Zeichnung, Collage, Skulptur, Performance, Film, Druckgrafik, Installation und Umweltkunst sowie Literatur, Mode und Produktdesign erforscht. Kusama hat einen sehr charakteristischen Stil der gepunkteten Kunst entwickelt, der seitdem zu ihrem Markenzeichen geworden ist. Solche illusorischen Visionen sind für Kusama das Produkt von Halluzinationen, die sie seit ihrer Kindheit erlebt hat und in denen die Welt in proliferierenden Formen bedeckt zu sein scheint. Kusama hat ganze Räume mit bunten Punkten und 'Infinity'-Spiegeln bedeckt, die endlos bunte Lichtformen reflektieren.

Yoshitomo Nara

Yoshitomo Nara schafft Gemälde, Skulpturen und Zeichnungen, die seine charakteristischen Kinder und Hunde mit großen Augen darstellen - Themen, die versuchen, ein kindliches Gefühl von Langeweile und Frustration einzufangen und die für Kinder natürliche Unabhängigkeit wiederzuerlangen. Seine Ästhetik erinnert an traditionelle Buchillustrationen und zeigt eine unruhige Spannung, die teilweise von Naras Liebe zum Punkrock beeinflusst wird. Die Titel seiner Werke zeugen davon, von Das Mädchen mit dem Messer in ihrer Seite (1991) bis zu Silent Violence (1998), Neurotic to the Bone (1999) und There Is Nothing (2000). Im Jahr 2011 veranstaltete das New Yorker Asia Society Museum seine erste große Einzelausstellung mit dem Titel "Yoshitomo Nara: Nobody's Fool", die Arbeiten umfasst, die die 20-jährige Karriere des Künstlers umfassen. Die ausgestellten Werke waren eng mit der Sensibilität jugendlicher Subkulturen weltweit verbunden und konzentrierten sich auf Themen der Entfremdung und Rebellion, insbesondere in Bezug auf Rock- und Punkmusik.