Fotografie ist ein beliebtes künstlerisches Medium in Australien, wo es nicht an Motiven mangelt, von der wunderschönen Naturlandschaft bis zur multikulturellen Bevölkerung. Zeitgenössische Künstler verwenden die Kamera, um den Alltag und seine Transformationen sowie die sich verändernden natürlichen und sozialen Landschaften darzustellen. Von der traditionelleren Verwendung des Mediums über das Testen seiner Grenzen und Grenzen bis hin zum Überqueren von Genres gehören diese 10 Fotografen zu den besten, die heute arbeiten.

Justine Khamara

Justine Khamara (* 1971) untersucht und hinterfragt die Grenzen des fotografischen Mediums, interpretiert fotografische Porträts neu und hinterfragt zeitgenössische Seinsvorstellungen. Ihre dreidimensionalen Skulpturen- und Collagenarbeiten bieten eine Manipulation der Realität, die sich mit Vorstellungen von Selbstdarstellung in einer Ära sofortiger, endlos generativer (Re-) Produktionstechnologien beschäftigt. Ihr Oeuvre verwendet dünn geschnittene Fotografien und Bilder eines einzelnen Motivs, die aus mehreren Blickwinkeln aufgenommen wurden. Erysicthons Ball (2010) wurde vom griechischen Mythos von Erysicthon, König von Thessalien, inspiriert, die Eitelkeit moderner Gesellschaften in Frage zu stellen. Dies zeigt sich in der weit verbreiteten, selbstsüchtigen Aktivität, mehrere Bilder von sich selbst aufzunehmen und sie über verschiedene Social-Media-Kanäle zu veröffentlichen. auf diese Weise wird versucht, die persönliche Repräsentation zu kontrollieren und die Phänomene der Eitelkeit aufrechtzuerhalten. In vielen ihrer Arbeiten verwendet Khamara Bilder von sich selbst und ihrer Familie oder Freunden, wodurch sie eng mit ihren Porträtmotiven arbeiten kann. In Watch me gleiten Sie durch diese dünnen Laken (2011), ein mit Bildern von sich und ihrer Mutter bedrucktes Stoffblatt wird mit einem Spiegel kombiniert, um auf die Möglichkeit aufmerksam zu machen, dass Personen mehrere Aspekte ihrer selbst erleben.

Bill Henson

Bill Henson (* 1955) verwendet eine bestimmte Tageszeit - die Dämmerung -, um Bilder von Landschaften und jugendlichen Jugendlichen aufzunehmen, die eine Art "moderne Mythologie" schaffen. Die Lichtverhältnisse in der Dämmerung und die Techniken der Unterbelichtung und Druckanpassungen ermöglichen es Henson, Kontraste von Schatten und Licht - Helldunkel - zu erzielen, die den Stillleben der flämischen Meister ähneln. Sein Oeuvre zaubert eine Atmosphäre der Transzendenz und übernatürlichen Ereignisse und untersucht das wiederkehrende Thema der Dualität. Seine Motive werden in Dunkelheit und schwachem Licht dargestellt, ohne direkt auf die Linse zu schauen, teilweise verborgen, um eine Aura des Mysteriums und der bacchanalischen Existenz zu erzeugen. Hensons malerische, inszenierte Tableaus setzen die Tradition der romantischen Literatur und Kunst des 19. Jahrhunderts und das Konzept des Erhabenen fort, in dem die Größe der Natur die widersprüchlichen Empfindungen von Erstaunen, Terror und Ehrfurcht hervorruft. Henson verwischt die Grenzen zwischen Realität und Unbewusstem und versetzt den Betrachter in eine parallele Dimension, die sich hinter dicken Schleier der Dunkelheit versteckt und reich an Hinweisen auf unsere Vergangenheit ist. Landschaften sind für den Künstler starke Elemente unserer Erinnerungen und sein Interesse daran, sie in Memento-Mori- Bildern festzuhalten, die den Betrachter in eine zeitlose Welt entführen können.

Tracey Moffatt

Die Filmemacherin, Videokünstlerin und Fotografin Tracey Moffatt (* 1960) schafft zum Nachdenken anregende Werke, die Themen wie Rasse, Kindheitstrauma und Medien sowie Unterwerfung der Aborigines, mütterliche Dominanz, Geschlechterstereotypen und Klassenteilung untersuchen. Zu den in den 1980er Jahren produzierten Werken gehört Some Lads (1986), eine Reihe von Schwarzweißfotografien, die sie neben der Farbfotografie The Movie Star (1985) zeigte. In Disappointed Dreams (1989) präsentierte Moffatt eine reichhaltige, fragmentierte Erzählung mit suggestiven Bildern von Gewalt, Glamour und enttäuschten Träumen. Ihr Interesse an Machtverhältnissen zeigt sich in Scarred for Life (1994), einer Reihe von Lithografien, die Fotos und Text nebeneinander stellen und das Layout und Format alter, verblassener Seiten des Life- Magazins nachahmen. Die Serie porträtiert Kindheit und Jugend als Zeiten voller Gewalt, Vernachlässigung und psychischer Turbulenzen. 1998 experimentierte Moffatt mit einem neuen Medium und schuf Laudanum, eine Reihe von Fotogravuren - oder Fotogravuren -, die sich auf die Beziehung zwischen einer Frau und ihrem Diener der Aborigines konzentrierten. Ihr jüngstes Werk 'Spirit Landscapes' (2013), das 2015 auf der QAGOMA gezeigt wird, umfasst fünf neue Fotoserien und einen Film, der sich mit Spiritualität, Erinnerung an Landschaft und Übernatürliches befasst und eine Meditation über die Bedeutung von Land und Land bietet Platz durch persönliche und universelle Geschichten.

Patrick Pound

Im Zentrum der Praxis von Patrick Pound (* 1962) steht das Interesse an den Begriffen Sammeln und Archivieren, die es ihm ermöglichen, eine Art „Kartierung der menschlichen Kultur“ zu erstellen. Mit einer Sicht auf die Welt, die sie mit einem Puzzle gleichsetzt, versucht der Künstler, seine Teile einzeln wieder zu verbinden, indem er gefundene Fotografien und Ephemera sorgfältig sammelt, kategorisiert und klassifiziert. Pounds Praxis zielt darauf ab, durch unendliche Sammlung ein unerreichbares Verständnis zu erreichen. Seine Collagen und Zusammenstellungen gefundener Bilder und weggeworfener Objekte sind nicht zufällig, sondern funktionieren wie Definitionen in einem Wörterbuch oder wie zusammengestellte und konstruierte Beweise. Pfund "definiert" abstrakte Begriffe, die auf Film festgehalten, aber vom gemeinsamen Betrachter übersehen werden - Materialisierung von Porträts des Immateriellen. Zum Beispiel umfasst Portrait of the Wind (2013) eine große Sammlung gefundener Porträts von Menschen, die sich zufällig im Wind befanden, während die Crime Scene-Serie (2013) Fotografien enthält, in denen die Motive - in Wahrheit - verstorben zu sein scheinen Die meisten von ihnen schliefen. The Photographer's Shadow ist eine Fotoserie, in der der Schatten des Fotografen auf Film festgehalten wird, während in The Missing Pound Personen mit Photoshop von Postkarten und Fotos gelöscht wurden.

Liu Xiaoxian

Der aus China stammende Liu Xiaoxian (* 1963 in Peking) zog 1990 nach dem Zwischenfall mit dem Tiananmen nach Australien. Sein chinesischer Hintergrund und seine Lebenserfahrung als "adoptierter" Australier spielen eine wichtige Rolle in seiner künstlerischen Praxis, die die Unterschiede sowie die Gemeinsamkeiten zwischen Ost und West in Fragen wie Kultur, Tradition, Politik, Religion, Identität und Geschlecht untersucht . Durch Fotografie und Skulptur analysiert Liu ikonische oder kulturell bedeutende westliche und östliche Symbole als Ausdruck der Migrationserfahrung und stellt sie in seiner Arbeit gegenüber. Sein monumentales Diptychon Our Gods (2000) in der Sammlung der Art Gallery of New South Wales vereint Darstellungen des leidenden Christus und des lachenden Buddha. Die beiden Porträts sind mehr als nur nebeneinander platziert und bestehen - mithilfe von Montage und digitaler Manipulation - aus 22.500 winzigen, sich wiederholenden Bildern des anderen, wie Pixel. In einer früheren Arbeit, My Other Lives (1999), verwendete Liu Fotografien aus seiner umfangreichen Sammlung australischer Familienalben. Der Künstler fügte sein Gesicht digital in stereografische Bilder australischer Familien der Jahrhundertwende ein. Liu versucht, eine oft übersehene Geschichte asiatischer Identitäten innerhalb des Aufbaus der australischen Kultur sichtbar zu machen und Begriffe wie Vertreibung, Migration und Identität anzusprechen.

Pat Brassington

Pat Brassington (* 1942) arbeitet in der Fotografie und in digitalen Medien und bezieht Einflüsse aus dem Surrealismus, wobei er sich mit dem Unheimlichen und dem provokativen Effekt befasst, den Ambiguität auf die Interpretation hat. Ihre Arbeit entfaltet sich zu Bildern, die sich wie die Tintenkleckse eines Rorschach-Tests verwandeln und die unendlichen Möglichkeiten unserer inneren psychologischen Zustände in Bezug auf Erzählungen von Sex, Erinnerung und Identität eröffnen. Brassingtons verträumte Bilder verbinden analog und digital, Vergangenheit und Gegenwart und schaffen eine mehrdeutige, manchmal abstrakte (sur) Realität. In ihren frühen Arbeiten verwendete sie Schwarzweißfilme, um poetische, dunkle Bilder von Akten in der Nähe von Türen und anderen Arbeiten aufzunehmen. In den 1990er Jahren wandte sich Brassington vom traditionelleren Medium ab und begann, sich der digitalen Manipulation zuzuwenden. Die Fähigkeit, Bilder zu zerstückeln, zu dekonstruieren und zu rekonstruieren, machte ihrer grenzenlosen Vorstellungskraft Platz und ermöglichte es ihr, ihr langjähriges Interesse am Raum zwischen Realität und Fantasie zu verfolgen. Die Künstlerin verwendet gefundene oder vorhandene Fotografien aus ihrer persönlichen Sammlung und kombiniert sie mit „fremden Elementen“. Störende Bilder von geknebelten Mündern wie in Forget Your Perfect (2008), verzerrten Oberschenkeln und genitalienähnlichen Elementen - wie in ihrer Serie In My Mother's House (1994) - sind nur einige der zahlreichen, die sie produziert hat.

Peta Clancy

Peta Clancy (* 1970) untersucht Themen wie Vergänglichkeit, Zeitlichkeit, Veränderlichkeit sowie die körperlichen und subjektiven Grenzen des menschlichen Körpers. Ihre fotografische Praxis weicht von den zweidimensionalen Grenzen ab, um das erweiterte Feld der Fotografie zu erfassen, mit Eingriffen wie Durchstechen, Zerknittern, Falten und Einbetten in Wachs sowie der Herstellung von Installationsstücken wie This Skin I'm In (2002) - mit Bildern auf Stoffkissen gedruckt. Ihre Serie, die sich mit Haut, Sterblichkeit und Alterung befasst, trägt sie wie eine Karte auf ihrer Haut (2005-2006) und besteht aus Bildern von Augen und Lippen einer Frau, die mit einer feinen silbernen Nadel durchstochen wurden, um einen spitzenartigen Effekt zu erzielen . Clancy sagt, dass "Haut keine Wurzeln hat, sie löst sich leicht wie Papier" (PDF-Download) und "die Oberflächen der Haut und des Fotos sind von zentraler Bedeutung" für ihre Arbeit. Die Erkenntnis der Verletzlichkeit und Zerbrechlichkeit des menschlichen Körpers und wie er sich so schnell verändern kann, steht im Mittelpunkt einer anderen Serie, paper thin (2007), in der das Papier auch für die menschliche Haut repräsentativ ist - der Künstler punktiert sie nicht nur, sondern durchsticht sie zerknittert es, als ob es faltige Haut darstellen würde. Das Warten auf das Absetzen des Staubes (2000-2005) fängt den Lauf der Zeit und die „winzigen Rückstände unseres Alltags“ ein, mit Bildern von Spuren und Schatten, die Objekte hinterlassen, wenn sie von ihrem Platz entfernt werden. Vergrößerte Staubfragmente und abgestorbene Haut deuten auf Sterblichkeit und den Staub hin, aus dem der Körper stammt und zu dem er zurückkehren wird.

Trent Parke

Der Magnum-Fotograf Trent Parke (* 1971) lässt sich von seiner Alltagserfahrung inspirieren und arbeitet hauptsächlich mit Straßenfotografie. Im Jahr 2003 reiste Parke mit seiner Frau und Kameradin Narelle Autio fast 90.000 km durch Australien. Das Ergebnis war Minutes to Midnight, eine Sammlung von Fotos von der Reise, die ein verstörendes Porträt des Australiens des 21. Jahrhunderts bieten, vom ausgetrockneten Outback bis zum chaotischen Leben in abgelegenen Aborigines-Städten. 2007 unternahm Parke eine innere Reise, um sein eigenes Leben und seine Vergangenheit zu erkunden - wie er sagt, "um meine eigenen Geschichten auszuheben". Sieben Jahre lang arbeitete er an den Black Rose Diaries, die 2015 in der Art Gallery of South Australia gezeigt wurden. Die Serie begann, als Parke über eine Nacht nachdachte, als er im Alter von 12 Jahren Zeuge des Todes seiner Mutter an einem Asthmaanfall wurde. Von diesem Zeitpunkt an schaltete der Künstler alle Erinnerungen an seine Kindheit aus, bis er sich mit den Themen auseinandersetzte und begann, eine Reihe von Arbeiten zu erstellen. Die Serie besteht aus Fotografien, Briefen und Texten und erzählt nicht nur Parkes Leben - Vergangenheit und Gegenwart -, sondern wirft auch universelle Fragen über unsere Existenz auf. Ausgehend von seinen täglichen Erfahrungen und Reflexionen über das Leben ist die Arbeit eine Meditation über die Reisen des Lebens und darüber, wie Gegenwart, Vergangenheit und Zukunft miteinander zusammenhängen.

Petrina Hicks

Petrina Hicks (* 1972) nutzt die „verführerische und glänzende Sprache“ der kommerziellen Fotografie - ihren beruflichen Hintergrund -, um sich mit Fragen der Schönheit und Perfektion auseinanderzusetzen und gleichzeitig die Fähigkeit der Fotografie zu erforschen, Konsum- und Verführungsprozesse zu erzeugen und zu korrumpieren. Ihre Bilder zeigen scheinbar makellose Motive, denen „fremde“, unheimliche Elemente gegenüberstehen, die den Betrachter beunruhigen und auf die Spannung zwischen Schönheit und Unvollkommenheit hinweisen. In Shenae und Jade (2005) hält ein junges Model einen Wellensittich am Kopf im Mund - eine unwahrscheinliche, unkonventionelle Kombination, die das perfektionistische Porträt im Modestil aus dem Gleichgewicht bringt. Hicks erforscht häufig die weibliche Identität, verweist auf Mythologie und Kunstgeschichte und verbindet sie mit der zeitgenössischen Bildkultur. Dies zeigt sich in Hippy and the Snake (2011), einer Serie, die aus einem Video und großformatigen Fotografien besteht, die sich subtil auf Eva und die Schlange in einem neu erfundenen Garten Eden beziehen. In Venus und Die Geburt der Venus verweist sie treffend auf eine mythologische Göttin und andere weibliche Symbolik, während sie gleichzeitig zeitgenössischere Vorstellungen von Feminismus und dem sexualisierten männlichen Blick wiedergibt. (PDF-Download) Andere Arbeiten beziehen sich auf die symbiotische Beziehung zwischen Mensch und Tier, wie Lambswool oder Rosemary's Baby (2008).

Sonia zahlt

Die Fotografin und Künstlerin für neue Medien Sonia Payes (* 1956) hat sich in den letzten Jahren dem Surrealen zugewandt und eindringliche, vielschichtige Bilder geschaffen, in denen Elemente invertiert, verdeckt und unsichtbar bleiben. Durch ihre fotografische Praxis und ihre neuen Multimedia-Animationen und dreidimensionalen Installationen untersucht Payes Themen wie Umweltzerstörung, Apokalypse und Erneuerung unserer Zukunft. Die Künstlerin machte mit ihren fotografischen Essays über 60 australische Künstler in UNTITLED auf sich aufmerksam. Portraits of Australian Artists, veröffentlicht von Macmillan im Jahr 2007. Im Jahr 2012 unternahm Payes eine Residency bei der Australia China Art Foundation im ländlichen Peking, die in der Produktion der Interzone- Serie gipfelte, die 2013 bei Fehily Contemporary gezeigt wurde. Während ihrer Zeit in Peking Payes war in die raue Umgebung der rasanten Stadtentwicklung Chinas eingetaucht - Ackerland wurde schnell durch Steinbrüche und Zement ersetzt. Der Künstler war Zeuge bedeutender Veränderungen nicht nur in der Landschaft und der Umwelt, sondern auch in den menschlichen Beziehungen. In ihrer Serie lieferte Payes einen sozialen Kommentar und reflektierte die neuen Wechselbeziehungen zwischen Mensch und Umwelt, die durch die enorme Industrialisierung Chinas verursacht wurden. 'Re-Generation' (2014) untersuchte Payes 'Praxis anhand einer Vielzahl von Werken, darunter Earth Warriors und Ice Warriors, die als „Leitfäden“ zur Steuerung der Menschheit bei der Suche nach neuen Lösungen für die unserer Umwelt zugefügte Verschlechterung dienen. Andere Serien veranschaulichen und reflektieren die Widerstandsfähigkeit der Menschheit und ihre Fähigkeit, sich endlos zu verändern und an die veränderliche Umwelt der Erde anzupassen.