10 Künstler, die den Kurs der Kunst des 20. Jahrhunderts verändert haben

Das 20. Jahrhundert war eine Zeit des raschen künstlerischen Wandels und der Entwicklung, in der vorgefasste, traditionelle Konzepte in Frage gestellt wurden. Die Rolle des Künstlers, das Verhältnis zwischen Repräsentation und Bedeutung und die wachsende Relevanz massenproduzierter visueller Bilder wurden berücksichtigt und neu definiert. Hier listen wir zehn der Schlüsselfiguren auf, die die Kunst des 20. Jahrhunderts revolutioniert haben.

Louise Bourgeois

Louise Bourgeois 'Werk, das zeitlebens in eine Reihe von künstlerischen Kreisen involviert war, wurde erst in ihren späteren Jahren bekannt, mit kraftvollen, sehr eindrucksvollen Stücken wie Destruction of the Father (1974), einer beiliegenden Installation aus Latex und Gips, die an etwas erinnert eines Mutterleibs oder Maman (1999), eine neun Meter hohe Bronzeskulptur einer Spinne. Bourgeois 'Werke sind zutiefst persönlich und basieren auf Kindheitstraumata und zeigen Themen des Unterbewusstseins, der Sexualität und der unterdrückten Emotionen. Bourgeois übersetzte diese Themen in oft makabere, beeindruckende visuelle Symbole; Ihre Spinnen, für die sie vielleicht am besten bekannt ist, sind sowohl räuberisch als auch beschützend. Ihre Manipulationen am Körper erinnern an Vorstellungen von Sexualität und weiblichem Schmerz. Bourgeois revolutionierte durch ihre Arbeit sowohl die feministische als auch die Installationskunst.

Marcel Duchamp

Marcel Duchamps Oeuvre umfasste viele der Schlüsselbewegungen des frühen 20. Jahrhunderts, darunter Dada und Futurismus. Heute ist Duchamp jedoch am besten für seine kontroverse Arbeit mit dem Titel Fountain (1917) bekannt - ein Porzellan-Urinal, auf dem Duchamp die falsche Signatur "R.Mutt" hinzufügte. Gleichzeitig empörend und rätselhaft, ist Fountain ein bahnbrechender Moment des 20. Jahrhunderts, der die Verpflichtung der Kunst, ästhetisch ansprechend zu sein, aufhebt und stattdessen das intellektuell Provokative fordert. Duchamps Werke waren Ausdruck seiner dadaistischen Haltung; Neben seinen literarischen, politischen und künstlerischen Zeitgenossen lehnte er sich gegen den Begriff des künstlerischen Wertes und des „feinen“ Geschmacks auf und setzte sich für Kunst ein, die eher den Geist als die Augen ansprach.

Frida Kahlo

Frida Kahlos legendäres Leben wurde 1907 in Mexiko-Stadt geboren und war geprägt von Drama, Trauma und Tragödie. Im Alter von 16 Jahren war sie in einen fast tödlichen Straßenbahnunfall verwickelt, bei dem sie für den Rest ihres Lebens chronische Schmerzen und schlechte Gesundheit hatte. Während ihrer stürmischen Beziehung mit dem politischen Maler Diego Riviera litt sie unter starker emotionaler Belastung und konnte aufgrund ihres Unfalls in ihrer Kindheit ihre Schwangerschaft nie zum Abbruch bringen. Diese Nöte fanden ihren tiefen Ausdruck in ihren lebendigen, oft verstörenden Werken, die durch eine kühne, unerschütterliche Erforschung ihrer eigenen persönlichen Erfahrung, Identität und Sexualität gekennzeichnet sind. Frida Kahlo ist weithin als Surrealistin bekannt, aber Kahlo selbst lehnte diesen Begriff ab und lehnte die Frauenfeindlichkeit ab, die in den surrealistischen Kreisen und in ihren freudianischen, auf Männer ausgerichteten Darstellungen von Frauen zu finden war. Stattdessen enthüllte Kahlo durch ihre Arbeit die Komplexität der weiblichen Erfahrung und behauptete die Gültigkeit ihrer eigenen einzigartigen Vision.

Anish Kapoor

Anish Kapoor wurde 1954 in Bombay, Indien, geboren und ist einer der erfolgreichsten zeitgenössischen Künstler und erfolgreichsten zeitgenössischen Bildhauer des Jahrhunderts. Seine Arbeit beinhaltet eine erstaunliche Vielfalt an Ästhetik; In seinen frühen Arbeiten werden östliche und westliche Einflüsse kombiniert, wobei natürliche Materialien wie Sandstein und Granit verwendet werden, die mit bunten Pigmenten versetzt und zu einfachen Formen geformt sind. Seine späteren großformatigen Skulpturen experimentieren im monumentalen Maßstab mit der Form und verwenden reflektierende Oberflächen, um Vorstellungen von Perspektive und Struktur zu verzerren. Seine Verwendung von rotem Wachs in Installationen ist schockierend und viszeral, während seine Formbarkeit und ständige Transformation Ideen von Form und künstlerischem Schaffen in Frage stellen. Zuletzt war Kapoor in den Nachrichten, weil er die exklusiven Rechte für das schwärzeste Pigment der Welt gewonnen hatte: Vantablack.

Jeff Koons

Jeff Koons, eine der am stärksten umstrittenen Figuren der zeitgenössischen Kunst, wird selbst als der Künstler beschrieben, „der versucht, Kunst ins 21. Jahrhundert zu führen“. Koons stellt alle vorgefassten Vorstellungen von Kunst in Frage und versucht, die traditionelle Unterscheidung zwischen „hoher“ Kunst und kommerzieller Massenkunst zu revolutionieren. Aufbauend auf den Ideen von Marcel Duchamp und Andy Warhol meidet Koons das Konzept des Künstlers als ursprünglichen Schöpfer. Koons ist vielmehr bekannt für seine hochtechnischen Nachbildungen von Werbung und banalen Objekten. Seine Arbeit zeigt auch Objekte, die allgemein als "unattraktiv" gelten, und stellt sie provokativ in einen Kontext, in dem der Betrachter gezwungen ist, sie als "künstlerisch" zu betrachten. Koons wird von vielen wegen des angeblichen Niedergangs des künstlerischen Talents und des Aufstiegs des Kitschs kritisiert und bleibt einer der einflussreichsten, umstrittensten und umsatzstärksten Künstler des Jahrhunderts.

Georgia O'Keeffe

Georgia O'Keeffe gilt als eine der führenden Figuren der amerikanischen Moderne, eine Bewegung, die in den Zwischenkriegsjahren an Popularität und Aufmerksamkeit gewann. Die modernistische Malerei wollte eine Vielzahl von Bedeutungen darstellen, anstatt bei der reinen Repräsentation stehen zu bleiben. O'Keeffe's Werke meiden bekanntlich die Grenzen zwischen Repräsentation und Abstraktion; Ihre Bilder zeigen größtenteils die Natur und die südwestamerikanische Landschaft, aber so, dass neue Bedeutungsschichten entstehen. Ihre berühmten Blumenbilder stellen diese klassischen Motive auf neue Weise dar, indem sie sich auf Nahaufnahmen des Zentrums von Blumen und ihrer Fortpflanzungsorgane konzentrieren. Durch das Entfernen des Kontexts werden ihre Bilder abstrakt und fast surreal und rufen neue Wahrnehmungen des Objekts hervor.

Pablo Picasso

Pablo Picasso, einer der bekanntesten und produktivsten Künstler des 20. Jahrhunderts, war maßgeblich an der Schaffung der kubistischen Bewegung beteiligt und revolutionierte damit das Konzept der Kunst vollständig. Sein Gemälde mit dem Titel Les Demoiselles d'Avignon (1907) ist ein protokubistisches Werk, das traditionelle Vorstellungen von Proportionen und Perspektiven zugunsten geometrischer Linien und Formen ablehnt, die eher Emotionen und Eindrücke als Realität darstellen sollen. Als sich sein Stil entwickelte, testete Picasso die extremen Grenzen des Kubismus und schuf flache, fast zweidimensionale Gemälde, in denen das Thema auf eine Reihe von Formen reduziert wurde. Picasso malte weiter bis zu seinem Tod 1973; Sein über 70-jähriges Werk spiegelt einige der wichtigsten kunsthistorischen und gesellschaftspolitischen Kontexte des Jahrhunderts wider.

Jackson Pollock

Jackson Pollocks Gemälde, eine der führenden Figuren des Abstrakten Expressionismus, lehnen die traditionelle narrative und themenbezogene Natur der Kunst zugunsten einer Erforschung des Mediums selbst ab. Seine Bilder, die mit seiner legendären Tropfentechnik erstellt wurden, bei der Farbe ohne Pinsel oder Werkzeuge auf die Leinwand getropft und geworfen wird, zeigen kein bestimmtes Objekt oder eine bestimmte Geschichte. Pollocks Arbeiten erforschen vielmehr den Akt des Malens und zeigen seine Beziehung zur Farbe und seine Bemühungen, sie zu einem bestimmten Zeitpunkt zu manipulieren. Pollocks Arbeit beeinflusste eine Generation abstrakter Künstler, darunter Cy Twombly und Helen Frankenthal, und begann in der Kunstwelt einen kritischen Dialog über die Rolle von Repräsentation und Bedeutung in der Kunst.

Cindy Sherman

Cindy Shermans Fotografien, die weithin als Pionierin der fotografischen Ästhetik des späten 20. Jahrhunderts anerkannt sind, sind eine fesselnde Erforschung von Selbstheit und Identität. Sherman konzentrierte sich sowohl in ihrer Ausbildung als auch in ihrer künstlerischen Arbeit auf die Fotografie und glaubte, dass sie die zeitgenössischen Ausdrucksmittel am besten verkörpert. Sherman interessierte sich besonders für die Medien und ihre Darstellungsweisen; Ihre Schlüsselwerke zeigen sich in verschiedenen Kostümen und Szenarien und ahmen typische Frauenbilder nach, die in den Medien zu finden sind. Ihre Serie Untitled Film Stills (1977-1980) zeigt sie als berühmte Bildschirmikonen, die Identität mit der physischen Erscheinung in Einklang bringen und damit die Vereinfachung und Objektivierung der weiblichen Form in der heutigen Gesellschaft in Frage stellen.

Andy Warhol

Andy Warhol gilt als die führende Figur der Pop-Art-Bewegung und schuf einige der bekanntesten Werke des 20. Jahrhunderts. Seine Arbeiten greifen den kulturellen Zeitgeist der 1950er und 1960er Jahre auf und verwenden erkennbare, teilweise banale Bilder von Konsumgütern, Werbung und Prominenten, um die Beziehung zwischen Kunst und kommerziellen Bildern zu untersuchen. Warhol ist besonders bemerkenswert für die Einführung der Siebdrucktechnik für die künstlerische Malerei; Die fast identischen Reproduktionen, die er erstellen konnte, spiegelten die Massenproduktion von Konsumgütern und Medien wider. Anstatt den Vorhersagen bestimmter Kritiker nachzugeben, dass Kunst unter der neuen konsumistischen Kultur ersticken würde, kombinierte Warhol beide und erkundete die Natur des einen durch das andere.

 

Lassen Sie Ihren Kommentar